Отличия художественного стиля от других стилей речи

Предмет Русский язык

Класс 10

Тема: Отличия художественного стиля от других стилей речи

Цели урока:

Обучающая: знакомство с основными признаками художественного стиля речи (образностью, широким использованием изобразительно-выразительных средств).

Развивающая: пополнение и совершенствование знаний, умение решать проблемные ситуации, развивать речевую активность; сформировать умение находить характерные для каждого стиля признаки; закрепить умение определять стиль речи.
Воспитательная: воспитывать внимание, наблюдательность, точность.

Тип урока: комбинированный урок.

Формы работы: индивидуальная, групповая, работа в парах

Методы и приемы обучения: объяснительно-иллюстративный, частично-поисковый,

творческий, метод самопроверки, взаимопроверки

Оборудование урока: проектор, презентация, оценочные листы, раздаточный материал

Ход урока

1. Организационный момент

2. Сообщение цели, темы, задачи урока, мотивация учебной деятельности.

Эпиграф к уроку

Нам дан во владение самый богатый, меткий, могучий и поистине волшебный русский язык.

К. Г. Паустовский

1. Актуализация

Представьте себе такую ситуацию. Приходите вы из школы домой, а на столе – записка: «Первое блюдо, приготовленное из свёклы с добавлением моркови, картофеля и мяса, находится в холодильнике. Предназначено для употребления в пищу. Требует разогревания на медленном огне в течение 5-7 минут. Мама»

Как бы вы отнеслись к такой записке? Почему она кажется неуместной? (потому что отсутствует соответствие стиля и жанра текста речевой ситуации. Вместо разговорного стиля использован официально-деловой).

Таким образом, умение грамотно строить свою речь с учётом речевой ситуации – одно из необходимых условий успешной самореализации любого человека. И сегодня мы с вами повторим основные особенности функциональных стилей и ещё раз обратим внимание на то, как создавать текст, уместный в той или иной ситуации общения.

1. Повторение изученного.

Цифровой (распределительный) диктант (работа в группе)

Цель: активация имеющихся знаний о стилях речи.

Цели:

1 – Обмен мыслями, впечатлениями

2 – Обмен деловой информацией

3 – Сообщение и рассуждение о ходе, результате научных исследований

4 — Воздействие и передача информации, идей

5 – Воздействие на чувства и мысли слушателей

Сфера общения:

1 – Словесно-художественное творчество

2 – Официальное общение с учреждениями, между учреждениями

3 – Общение в научной среде

4 – Преимущественно устное неофициальное общение в быту

5 – Письменное и устное общение через газеты, телевидение, радио

Проверка: (Слайд с критериями оценок)

Выборочный диктант (работа в паре, а затем проверяют в группе)

Читаю слова, относящиеся к разным стилям речи. Записать в тетрадь, только слова названия вашей группы:

Рассказ, доклад, доверенность, бестолковщина, газетная статья, энциклопедия, в голове у тебя каша, автобиография, трагедия, протокол, ораторская речь, баранка (руль автомобиля), удостоверение, выступление по телевидению, замызганный, повесть, лекция, басня, интервью, реферат, роман, конспект, анкета, бабуля, репортаж.

Проверка:

1. Объяснение нового материала.

1. Защита учебных проектов. Выступление творческих групп

1 группа – «Особенности художественного стиля».

2 группа – «Отличие художественного стиля от разговорного»

Художественный стиль речи отличается образностью, широким использованием изобразительно-выразительных языковых средств языка.

В художественном стиле речи широко используются языковые средства других стилей, особенно разговорного. В языке художественной литературы могут употребляться просторечия и диалектизмы, слова высокого поэтического стиля и жаргонные грубые слова, профессионально-деловые обороты речи и лексика публицистического стиля. Однако все эти средства в художественном стиле подчиняются основной его функции – эстетической.

Художественный стиль речи предназначен для создания художественных, поэтических образов, эмоционально-эстетического воздействия, и все языковые средства, включаемые в художественное произведение, меняют свою первичную функцию, подчиняются задачам данного художественного стиля.

Основная задача писателя состоит в том, чтобы правильно, точно, образно выразить мысль, передать сюжет, характер, заставить читателя сопереживать с героями произведения, войти в мир, созданный автором. Все это доступно лишь языку художественной литературы, поэтому он всегда считался вершиной литературного языка.

Признаки художественного стиля:

а) Цель высказывания, или с какой целью мы говорим – изображение и воздействие на читателя.

б) Жанры художественного стиля: роман, рассказ, повесть, поэма, драма, комедия, трагедия.

в) Языковые средства выражения – использование всех богатств лексики.

г) Стилевые черты – образность, эмоциональность, конкретность речи; использование средств разных стилей.

2. Работа с учебником. § 56

3. Самостоятельное заполнение таблицы

Заполнение графы в таблице «Художественный стиль»(коллективно вместе с учителем, письменно)

1. Закрепление пройденного материала.

Задание 1

Укажите литературные приемы (тропы), используемые А. С. Пушкиным в данных строках поэмы

Слова для справок: сравнение, метафора, гипербола, олицетворение, эпитет

Задание 2. Анализ стихотворений.

Работа в парах

1) Иван Бунин. Родник    (найти все тропы)

2) Ф. И. Тютчев «Как хорошо ты, о море ночное…» найдите метафоры

3). И. А. Бунин «Неуловимый свет разлился над землёю» (эпитеты)

4) Стихотворения Николая Заболоцкого «Чертополох» из цикла Последняя любовь.(Метафоры и сравнения)
3. Творческое задание: Сказка про Репку в разных стилях (работа в парах)

4. Тестирование по теме «Стили речи».

1. Рефлексия.

Я хочу задать вам вопрос:
Владеете ли вы русским языком?
Не спешите отвечать на этот вопрос утвердительно. Всё зави­сит от того, что понимать под «владением” языком.
Начнём с того, что русским языком во всём богатстве его грамматики и особенно словаря вообще никто не владеет. Число слов в современном русском литературном языке приближается к 120 тысячам. Но если «мы возьмём число слов, употребляемых даже самыми крупными русскими писателями, то оно далеко не будет достигать этого числа. Например, А. С. Пушкин, к произве­дениям которого сейчас составлен полный словарь, употреблял «всего-навсего” 21 тысячу слов. 
Дело даже не в этом. Владеть языком — значит максималь­но использовать все выразительные возможности, скрытые в нём;
уметь вложить даже в самый малый запас слов, выражений всё то, что можно в него вложить;
уметь понять сказанное так, как оно было сказано. Всё это не так просто.

1. Подведение итогов. Оценка работы всего класса и каждого ученика. Учащиеся подсчитывают количество баллов и выводят общую оценку

2. Информация о домашнем задании

Написать текст о языке (по 5-7 предложений) в разных функциональных стилях.

Цифровой (распределительный) диктант (работа в группе)

Цель: активация имеющихся знаний о стилях речи.

Цели:

1 – Обмен мыслями, впечатлениями

2 – Обмен деловой информацией

3 – Сообщение и рассуждение о ходе, результате научных исследований

4 — Воздействие и передача информации, идей

5 – Воздействие на чувства и мысли слушателей

Сфера общения:

1 – Словесно-художественное творчество

2 – Официальное общение с учреждениями, между учреждениями

3 – Общение в научной среде

4 – Преимущественно устное неофициальное общение в быту

5 – Письменное и устное общение через газеты, телевидение, радио

Проверка: (Слайд с критериями оценок)

Выборочный диктант (работа в паре, а затем проверяют в группе)

Читаю слова, относящиеся к разным стилям речи. Записать в тетрадь, только слова названия вашей группы:

Рассказ, доклад, доверенность, бестолковщина, газетная статья, энциклопедия, в голове у тебя каша, автобиография, трагедия, протокол, ораторская речь, баранка (руль автомобиля), удостоверение, выступление по телевидению, замызганный, повесть, лекция, басня, интервью, реферат, роман, конспект, анкета, бабуля, репортаж.

Проверка:

Художественный стиль речи

Чем отличается публицистический стиль от художественного

Вдумчивый читатель способен безошибочно определить ценность литературного произведения. Читательский вкус избирателен, и главный критерий, по которому среди огромного количества книг каждый определяет свой круг чтения, – это содержание и стиль, созвучные его душевному состоянию.

Публицистика воспринимается иначе. Очерки, репортажи, интервью, обзорные статьи, теледебаты и материалы интернет-сайтов интересны информационной насыщенностью, динамикой, экспрессивностью речи и актуальностью материала. Именно эти качества публицистического стиля используются в публичных выступлениях и составляют основу публикаций в периодической прессе.

Определение

Художественный стиль – функциональная разновидность литературной речи, сложившаяся как совокупность художественных приемов и способов словесного изложения, используемых в литературном творчестве.

Публицистический стиль – способ использования средств языка в целях воздействия на формирование общественного сознания через средства массовой информации и публичные выступления.

к содержанию ↑

Сравнение

Художественный стиль характеризуется рядом общих признаков, свойственных произведениям всех литературных жанров. Прежде всего, это образность речи, которая достигается благодаря использованию особых языковых и синтаксических средств художественной выразительности. Они по-разному проявляются в эпических, лирических и драматических произведениях, но всегда служат главной цели литературного творчества: вызвать сопереживание читателя и пробудить в его душе эстетическое чувство.

В поэзии образность достигается благодаря широкому использованию сравнений, эпитетов, метафор и особой ритмической организации текста. Художественной прозе свойственно использование синонимических рядов, приемов гиперболизации и параллелизма, стилистически оправданных элементов просторечной лексики. Иносказание, ирония, олицетворение ярче всего проявляются в сатирических жанрах.

Публицистическому стилю свойственна другая важная функция речи – информационная. Лаконичность сжатой формы, точность, логичность, неординарность суждений в сочетании с остротой формулировок и оценочным содержанием неизбежно вызывают у читателя или слушателя ответную реакцию.

Публицистический стиль используется как тонкий инструмент идеологического воздействия на сознание и активно применяется для формирования устойчивых общественно-политических стереотипов.

к содержанию ↑

Выводы TheDifference.ru

1. Функциональные отличия художественного и публицистического стилей заключаются в способе воздействия на сознание читателя.
2. В художественном стиле способ воздействия – литературный образ; в публицистическом – экспрессивно окрашенная злободневная информация.
3.  Художественный стиль – основа любого литературного произведения. Публицистический стиль – инструмент журналистов, политиков и общественных деятелей.
4. Художественная стилистика соприкасается с духовным миром человека. Публицистика способствует формированию массового сознания.

Художественный текст — это… Что такое Художественный текст?

Функциональные стили речи — исторически сложившаяся система речевых средств, используемых в той или иной сфере человеческого общения; разновидность литературного языка, выполняющая определенную функцию в общении.

Существует 5 функциональных стилей:

• научный — значение состоит в том, чтобы дать точное и ясное представление о научных понятиях (например, терминологическая лексика)
• официально-деловой — официальная переписка, правительственные акты, речи; употребляется лексика, отражающая официально-деловые отношения (пленум, сессия, решение, постановление, резолюция)
• публицистический — характерны отвлеченные слова с общественно-политическим значением (гуманность, прогресс, народность, гласность, миролюбивый)
• разговорный — отличается большой смысловой емкостью и красочностью, придает речи живость и экспрессивность
• художественный — используется в художественной литературе

Научный стиль

Научный стиль — стиль научных сообщений. Сфера использования этого стиля — наука, адресатами текстовых сообщений могут выступать учёные, будущие специалисты, ученики, просто любой человек, интересующийся той или иной научной областью; авторами же текстов данного стиля являются учёные, специалисты в своей области. Целью стиля можно назвать описание законов, выявление закономерностей, описание открытий, обучение и т. п.

Основная его функция — сообщение информации, а также доказательство ее истинности. Для него характерно наличие малых терминов, общенаучных слов, абстрактной лексики, в нем преобладает имя существительное, немало отвлеченных и вещественных существительных.

Научный стиль существует преимущественно в письменной монологической речи. Его жанры — научная статья, учебная литература, монография, школьное сочинение и т. д. Стилевыми чертами этого стиля являются подчёркнутая логичность, доказательность, точность (однозначность), отвлечённость, обобщённость.

Официально-деловой стиль

Деловой стиль используется для сообщения, информирования в официальной обстановке (сфера законодательства, делопроизводства, административно-правовой деятельности). Этот стиль служит для оформления документов: законов, приказов, постановлений, характеристик, протоколов, расписок, справок. Сфера применения официально-делового стиля — право, автор — юрист, правовед, дипломат, просто гражданин. Адресуются работы в данном стиле государству, гражданам государства, учреждениям, служащим и т. д., с целью установления административно-правовых отношений.

Этот стиль существует исключительно в письменной форме речи, тип речи — преимущественно рассуждение. Вид речи — чаще всего монолог, вид коммуникации — общественная. Стилевые черты — императивность (долженствующий характер), точность, не допускающая двух толкований, стандартизированность (строгая композиция текста, точный отбор фактов и способов их подачи), отсутствие эмоциональности.

Основная функция официально-делового стиля — информационная (передача информации). Для него характерно наличие речевых клише, общепринятой формы изложения, стандартного изложения материала, широкое использование терминологии и номенклатурных наименований, наличие сложных несокращенных слов, аббревиатур, отглагольных существительных, преобладание прямого порядка слов.

Публицистический стиль

Публицистический стиль служит для воздействия на людей через средства массовой информации. Он встречается в жанрах статьи, очерка, репортажа, фельетона, интервью, ораторской речи и характеризуется наличием общественно-политической лексики, логичностью, эмоциональностью, оценочностью, призывностью.

Этот стиль употребляется в сферах политико-идеологических, общественных и культурных отношений. Информация предназначена не для узкого круга специалистов, а для широких слоёв общества, причём воздействие направлено не только на разум, но и на чувства адресата.

Разговорный стиль

Разговорный стиль служит для непосредственного общения, когда автор делится с окружающими своими мыслями или чувствами, обменивается информацией по бытовым вопросам в неофициальной обстановке. В нём часто используется разговорная и просторечная лексика.

Обычная форма реализации разговорного стиля — диалог, этот стиль чаще используется в устной речи. В нём отсутствует предварительный отбор языкового материала. В этом стиле речи большую роль играют внеязыковые факторы: мимика, жесты, окружающая обстановка.

Художественный стиль

Художественный стиль воздействует на воображение и чувства читателя, передаёт мысли и чувства автора, использует всё богатство лексики, возможности разных стилей, характеризуется образностью, эмоциональностью, конкретностью речи.

Эмоциональность художественного стиля значительно отличается от эмоциональности разговорно-бытового и публицистического стилей. Эмоциональность художественной речи выполняет эстетическую функцию. Художественный стиль предполагает предварительный отбор языковых средств; для создания образов используются все языковые средства.

Wikimedia Foundation.
2010.

Художественный стиль речи — это… Что такое Художественный стиль речи?

(художественно-изобразительный, художественно-беллетристический). Один из функциональных стилей, характеризующих тип речи в эстетической сфере общения: словесных произведениях искусства. Конструктивный принцип художественного стиля – контекстуальный «перевод» слова-понятия в слово-образ. Специфическая стилевая черта – художественно-образная речевая конкретизация. Художественный стиль имеет общий для всех его жанров принцип использования языка, обусловленный образным мышлением автора в процессе творчества, эстетической функцией.

   Имеются две точки зрения на правомерность выделения художественного стиля среди других функциональных стилей:

1) необходимость выделения художественного функционального стиля (В.В. Виноградов, Р.А. Будагов, И.Р. Гальперин, Б.Н. Головин, Э.Г. Ризель, К.А. Долинин, М.Н. Кожина, О.Б. Сиротинина, Й. Мистрик, К. Гаузенблас, М. Елинек и мн.др.;

2) категорическое неприятие точки зрения, ориентированной на выделение художественного стиля как одного из функциональных стилей (Л.Ю. Максимов, А.К. Панфилов, Н.А. Мещерский, Д.Н. Шмелев, В.Д. Бондалетов и др.).

   Аргументация против выделения Х.с. как одного из функциональных опирается на

1) так называемую его многостильность, использование в художественной литературе языковых средств разных функциональных стилей;

2) отсутствие специфических языковых примет;

3) наличие эстетической функции;

4) неправомерность объединения понятий «литературный язык» и «язык художественной литературы». С функциональной точки зрения нельзя говорить о многостильности художественной литературы, т.к. использование отдельных языковых средств других функциональных стилей не определяет тот или иной функциональный стиль. Главное, как используются эти средства и каковы их стилистические функции, в какой речевой организации они выступают. В художественной речи используются языковые средства других стилей, но не сами стили как таковые. Таким образом, с функциональной точки зрения многостильности в художественных текстах нет. Наличие эстетической функции у художественного стиля как раз и составляет его специфику, является одним из существенных стилеобразующих признаков художественного функционального стиля. С. Сятковский считает художественный стиль генотипным (инвариантным) по отношению к фенотипической (вариативной) природе языка художественных произведений. Говоря о статусе художественного стиля, можно противопоставить его нехудожественным стилям и разговорному стилю тоже. Подобная триада представлена в чехословацкой стилистике. К.А. Долинин выделяет стиль художественной литературы на основе: 1) функции и 2) сферы деятельности. Х.с.р. предполагает существование индивидуальных стилей, без которых художественная литература немыслима. Но при этом художественный стиль имеет общие принципы отбора. Х.с.р. отличается яркой эмоциональностью и особой экспрессивностью, что проявляется в широком употреблении наиболее выразительных и эмоционально окрашенных языковых единиц всех уровней: фонетики, лексики, словообразования, морфологии, синтаксиса.

Термины и понятия лингвистики: Общее языкознание. Социолингвистика: Словарь-справочник. — Назрань: ООО «Пилигрим».
Т.В. Жеребило.
2011.

Художественный стиль — отличительные особенности

Характер произведения напрямую зависит от стиля, который использует автор во время написания. Классики русской и зарубежной литературы реализовывали в своих текстах художественный стиль. Он является одним из противоречивых и запутанных жанров.

Художественный стиль: понятие, черты

Автор пишет рассказ или роман в целях открытия читателю своих внутренних переживаний.

Художественный стиль используется в литературных произведениях. Примеры художественного текста должны рассказывать о жизненной ситуации, открывать простые истины в понимании автора.

Художественный стиль встречается в таких жанрах, как поэма, стихотворение, пьеса, рассказ, роман и повесть.

Чтобы максимально полно выразить эмоции и точнее объяснить точку зрения, автор использует различные языковые средства в художественном стиле из других речевых жанров.

Эстетическое мнение рассказчика должно вызвать у аудитории не только положительную, но и отрицательную реакцию. Без ответного слова сложно понять, вник ли читатель в прочитанные строки. Это является одной из проблем художественного текста. Не каждый автор умеет правильно использовать выразительные средства в тексте.

Поэтому читатель может не вникнуть в мысль автора, не убедиться в ней и поставить под сомнение прочитанное. Если после прочтения у человека возникают вопросы или желание выразить мнение, то это считается откликом на произведение. Но не является гарантией полного понимания смысла.

Получив ответы на вопросы, послушав мнение других читателей, он может убедиться в точности и правильности мыслей рассказчика.

Отличительные черты художественного стиля

1. Автор выражает собственную позицию посредством различных инструментов литературного языка. Предложение в художественном стиле содержит тропы – эпитеты, метафоры, прямую речь, сравнения и т.д.
2. Текста в жанре художественного стиля наполнены эмоциями.
3. Персонажи художественной литературы описаны ярко и живо с помощью языковых средств.
4. Присутствие автора в некоторых произведениях наблюдается постоянно.

Главная задача художественного стиля – донести до читателя мнение автора таким образом, чтобы на это мнение шел ответный призыв (критика). Разнообразные стили художественной литературы позволяют подать любую информацию интересно и необычно.

Например, феномены науки описываются в произведениях научно-художественным стилем. В газетах и журналах может использоваться художественно-публицистический стиль.

Основные признаки художественной стилистики

Чтобы понять, что текст художественный, необходимо найти определенные признаки. Черты, описанные выше, являются характерными для художественного стиля. К ним можно добавить и другие характеристики.

1. Речевая многозадачность. В правильно написанном тексте художественного стиля каждое слово будет иметь значение. Слова вызовут у читателя различные мысли относительно дальнейших событий в истории.
2. Не всегда понятно, какое именно языковое средство использовал автор. Суть текста – не объяснить языковые формы самовыражения, а показать точку зрения, чувства, мысли.
3. Рассказчик может рассказать о своей позиции разными способами. Можно это сделать плавно, или же ярко и спокойно. В любом случае, текст художественного стиля подразумевает самовыражение автора.
4. У каждого рассказчика создан собственный стиль. Автор берет из другого жанра русского языка какие-либо средства. По этой причине произведения отличаются друг от друга. Другими словами, создается «авторский слог».
5. Упорядоченный текст. Произведение имеет четкую структуру глав.
6. Одно слово может иметь несколько значений.
7. Шаблонные фразы не употребляются.

Функции художественного стиля

Различаются три функции художественного стиля.

1. Первая – эстетическая. Художественный текст не только доносит читателю определенный смысл, но и вызывает эстетические чувства. Через идейное восприятие аудитория должна понять смысл всего произведения.
2. Вторая функция – воздействующая. Через эмоции автор воздействует на читателя и одновременно доносит то него информацию о мире. В виде информации может выступать простая житейская мудрость, мнение автора по какому-либо вопросу.
3. И третья функция – коммуникативная. Читатель отвечает на мысли и идеи, описанные в произведении. Если текст выполнил первые две задачи неправильно, то не будет отклика от аудитории. А это означает, что произведение не выполнило ни одну задачу и мировоззрение рассказчика понято неправильно.

Область использования стиля

Художественный жанр используется в литературе. Разделяются подстили: художественно-публицистический и научно-художественный.

Благодаря синтаксическим и морфологическим характеристикам, стиль используется в таких подстилях, как: эпос, лирика, драма.

Эпос разделяется на эпопею, роман, рассказ и повесть. Так же эпосом считаются былины, баллады, легенды, мифы и притчи.

1. В эпопее большую роль занимают исторические события.
2. Сюжетная линия романа строится на жизни героев.
3. В рассказе речь идет об одном случае.
4. Повесть вмещает в себя характеристики рассказа и романа.
5. Лирика, то есть стихотворная форма, разделяется на оду, эпиграмму, элегию, сонет. Данный жанр хорошо используется Шекспиром.
6. Ода – восхваление события или человека, эпиграмма — сатирическое стихотворение.
7. Элегия – лирическое стихотворение.
8. Сонет – особая стихотворная форма со строгим построением.
9. В драме разделяются такие жанры, как комедия, драма, трагедия.
10. В комедии автор высмеивает социальные проблемы или пороки с помощью сатирических приемов.
11. Трагедия рассказывает о сломанных судьбах героев.
12. В драме очень хорошо используют такое средство, как диалог в художественном стиле.
13. Через диалог описывает острый и интересный сюжет, отношения персонажей друг с другом и обществом.

Языковые особенности художественного стиля речи

В художественном стиле применяются различные языковые средства. Некоторые заимствованы из других жанров. Главной особенностью художественного стиля является обилие морфологических и синтаксических свойств.

Большую роль отводят глаголам, местоимениям, прилагательным и причастиям. Они делают текст динамичным, искренним. Текст художественного стиля использует весь обширный ассортимент синтаксиса – знаки препинания, причастные обороты, прямая речь, цитаты.

Авторы текстов художественного стиля используют методы словообразования. В частности, изменяются суффиксы слов для придания эмоциональности. Это можно заметить при анализе текста художественного стиля.

Элементы художественного стиля

Для стиля характерны различные языковые средства для самовыражения. Другими словами — тропы. Среди них:

• Эпитеты.
• Метафоры.
• Сравнения.
• Аллегория.
• Инверсия.

Помимо передачи эмоций и мнения автора, характерно использование языковых средств из других стилей. Чтобы обнаружить текст художественного назначения, нужно хорошо знать значение и применение этих элементов.

Детализация в художественном тексте

В тексте уточняется каждая деталь. Даже если она не будет влиять на дальнейший сюжет. Например, в романе «Поющие в терновнике» рассказ о птице сначала кажется непонятным.

Однако, есть намек на обычную историю любви. Уже в конце книги читателю открывается полный смысл цитаты священника. На первый взгляд, этот рассказ о птице, поющей раз в жизни, ничего не значит. Но прочитав далее, станет понятно, что автор имеет в виду.

Детализация в рассказе может означать что-то важное. Это, своего рода, намек или подготовка читателя к важному событию или открытию.

Передача чувств и эмоций автора

Собственное мнение автор дополняет чувствами и эмоциями. Этот прием выполняет задачу формирования отношения аудитории к описываемой ситуации.

Эпитеты

Эпитет (от греч. ἐπίθετον – «приложенное») – троп, выражающийся в форме прилагательного, реже наречия, существительного, числительного.

При появлении эпитета в тексте появляется другой смысл, новый оттенок. У слова, «приложенного» к этому элементу, появляется красочность и насыщенность. Например, «деревянное лицо».

Эпитет дополняет мнение автора, делает его более развернутым, описывает характер предмета и создает нужную атмосферу. Есть тавтологические и фольклорные эпитеты.

Метафоры

Метафора (др.-греч. μεταφορά — «перенос», «переносное значение»). С древнего греческого языка это слово означает «перенос».

В тексте метафора имеет такое же значение – то есть, свойства одного предмета переносятся на другой. Автор сравнивает явления с помощью слов, заменяя смысл. Читатель практически сразу разгадывает тайну.

Пример: «Когда Варя увидела цену сумки, ее «задушила жаба». Увидев цену, Варя пожалела на нее денег. Если бы автор описал прямыми фразами происходящее, предложение вряд ли обладало тайной, интересом.

Сравнения

Сравнение – распространенный троп. Его смысл – сравнить два предмета или явления по отношению к одному явлению (или предмету). Целью данного действия является обнаружение новых, важных для рассказчика свойств.

Аллегория

Аллегория – это объяснение автором абстрактных идей с помощью субъективного образа. Так же может выражаться в форме диалога. То есть, автор объясняет какой-либо стереотип с помощью конкретного случая.

Использование элементов других стилей

Главным элементов, заимствованным из других стилей, в художественном тексте – прямая речь. Вообще, встречается довольно много иных стилевых элементов в художественном стиле. Прямая речь взята из разговорного стиля.

Инверсия

В инверсии значимая часть предложения выделяется среди других слов. Это влияет и на дальнейший смысл всего сюжета. Выделяется она посредством перестановки слова.

Художественный стиль разбор примера

Любой художественный текст можно определить по его признакам. Возьмем отрывок из произведения Бунина:

Черты, присущие художественному произведению:

1. Детали описываются тщательно.
2. Множество эпитетов.
3. Текст вызывают эмоции.

Художественный стиль речи — Студопедия

Художественный стиль занимает особое положение по отношению к другим стилям и к литературному языку в целом. Художественная речь использует языковые средства всех остальных функциональных стилей. Однако эти средства в художественном произведении выступают в эстетической функции и образуют иную системность. В художественной речи можно обнаружить все известные стилистические ресурсы языка.

Художественная речь, отличаясь от научной и официально-деловой речи, сближается с публицистической речью, а по некоторым чертам близка устной разговорно-бытовой речи и широко использует её средства – как лексику и фразеологию, так и синтаксис.

Другой особенностью художественной речи является существование в ней индивидуальных стилей, без которых художественная литература немыслима. Каждое художественное произведение есть целостная стилистическая система, объединённая образом автора.

Из лексических особенностей художественной речи можно отметить то, что она бедна словами среднего рода с отвлечённым значением, а абстрактные существительные приобретают конкретно-образное значение благодаря метафоризации (Смерть как будто заигрывала с казаком).

Все лексические средства в художественной речи демонстрируют жизнь слова в языке художественной литературы. А язык опирается на современную языковую норму, но в отдельных своих жанрах он выходит за рамки нормы. При обращении к прошлому автор использует, например, архаизмы (устаревшие слова, вышедшие из активного употребления) и историзмы (слова и словосочетания, обозначающие предметы или понятия, относящиеся к той или иной исторической эпохе, а ныне неизвестные). Для описания будущего авторы создают неологизмы (вновь появившееся в языке слово или словосочетание), окказионализмы (индивидуально-авторский неологизм, созданный поэтом или писателем и использующийся исключительно в условиях данного текста как лексическое средство художественной выразительности или языковой игры). Это говорит о том, что язык художественного произведения обладает многоголосием, под которым понимают речь автора и речь персонажей. Вот почему принято утверждать, что язык художественной литературы не вмещается в границы литературного языка, в то же время представляет собой его наиболее полное, концентрированное и образцовое воплощение. Именно поэтому многие из лингвистов не выделяют художественный стиль как самостоятельный наряду с рассмотренными выше функциональными стилями.

Приведём для сравнения два текста аналогичной тематики, представляющих собой научный стиль и пример художественной речи, которые показывают, что языковые средства других стилей «заимствуются» автором художественного произведения, а не используются в полном составе: 1 По народной примете, лес притягивает к себе воду, чтобы затем отпустить её облачком в дальнейшее странствие. Значит, он каждую каплю воды впрягает в двойную и тройную работу.

2 Лес, образуя огромную охлаждающую поверхность в виде многочисленной листвы, ветвей, сучьев и стволов, содействует конденсации паров в большей степени, чем другие типы растительности.

Первый из текстов относится к художественному стилю – это фрагмент речи героя романа Л. Леонова «Русский лес». Второй текст заимствован из учебного пособия М.Е. Ткаченко «Общее лесоводство». Текстам присущи все особенности, о которых говорилось выше, как в лексическом, так и в морфологическом и синтаксическом планах.

Вопросы для контроля

1.Какие функциональные стили вам известны?

2.Чем отличаются стили языка от функциональных стилей литературного языка?

3.В чем больше всего проявляются функционально-стилистические различия в языке?

4.Можно ли говорить об абсолютной закрытости каждого отдельного функционального стиля?

5.Как называется отсутствие «чистых» функциональных стилей?

6.Назовите разновидности книжных стилей литературного языка.

7.Каковы функции научного стиля?

8.Назовите подстили научного стиля.

9.В каких жанрах воплощается собственно научный стиль?

10.Для каких жанров характерен научно-учебный подстиль?

11.Каковы задачи научно-популярного подстиля?

12.Что характерно для лексики научного стиля?

13.Каковы морфологические особенности собственно научного подстиля?

14.Каковы особенности употребления глагола в собственно научном подстиле?

15.Чем отличается синтаксис научного стиля?

16.В каких речевых жанрах реализуется научный стиль языка?

17.Назовите разновидности рефератов. Укажите композиционные элементы реферата.

18.Каков алгоритм написания рецензии?

19.Какие разновидности официально-делового стиля вы знаете?

20.Как обычно называются лексические единицы официально-делового стиля?

21.Назовите морфологические средства выражения базовых стилевых черт языка служебных документов.

22.Каковы отличительные черты синтаксиса текстов официально-делового стиля?

23.Перечислите основные подстили официально-делового стиля.

24.Перечислите основные подстили публицистического стиля?

25.Назовите жанры современного публицистического стиля.

26.Дайте определение слогана.

27.Каковы лексические особенности публицистического стиля?

28.Какова специфика морфологического строя публичной речи?

29.Какие синтаксические приемы экспрессии применяются в публицистических текстах?

30.Чем отличается разговорно-обиходный стиль от других функциональных стилей?

31.Какой пласт словарного состава языка удовлетворяет потребности обиходного общения?

32.Какое место занимают фразеологизмы в разговорной речи?

33.Какова активность морфологических разрядов частей речи в разговорно-обиходном стиле?

34.Чем объясняется специфика синтаксиса разговорного стиля?

35.На какие функциональные стили оказывает свое влияние разговорный стиль?

36.Что можно сказать о нормативном аспекте разговорно-обиходного стиля?

37.Каковы функции художественного стиля?

38.Назовите жанры художественного стиля.

39.Каковы лексические особенности художественного стиля?

40.Какова специфика морфологического строя художественного стиля?

Объяснение

стилей искусства — исследуйте популярные стили искусства! — Art is Fun

Художественные стили описывают внешний вид произведения искусства. Стиль — это в основном манера , , в которой художник изображает свой предмет, и , как художник выражает свое видение. Стиль определяется характеристиками, описывающими произведение искусства, такими как способ, которым художник использует форму, цвет и композицию, и это лишь некоторые из них. Еще одним важным фактором при определении стиля произведения искусства является изучение того, как художник обращается со средой, принимая во внимание метод или технику, которую использует художник.Дополнительным аспектом художественных стилей является философия или движущая сила произведения искусства. Все эти стилистические элементы определяются выбором художников при создании своих работ.

Работы, которые имеют определенные общие черты, считаются выполненными в одном стиле. Иногда это означает, что они являются частью одного механизма , но не всегда. Понятие «движения» в искусстве обычно связано с определенным временем (а иногда и местом) в истории. Например, сегодня есть художники, которые все еще рисуют в импрессионистской манере, придерживаясь концепций, которые впервые определили импрессионизм в 19 веке.Однако, поскольку они являются современными художниками, которых вдохновлены импрессионистами , они на самом деле не являются частью первоначального «импрессионистского движения», как оно существует с исторической точки зрения. Хотя художественные стили можно воскресить из прошлого, само движение по-прежнему закреплено на своей исходной позиции на временной шкале истории искусства.

Во всем этом у каждого художника есть свой личный художественный стиль, который вырабатывается на протяжении всей его жизни. Стиль художника может меняться и адаптироваться по мере роста художника как художника, так и как личности.Начинающие художники часто подражают (копируют) стили художников, которыми они восхищаются. Поначалу это может быть полезно для того, чтобы намочить ноги и помочь развить понимание того, как создавать разные виды искусства. Однако очень важно, чтобы начинающие художники сосредоточились на развитии своего собственного стиля и нашли свой собственный уникальный способ самовыражения. Личный стиль художника обычно прогрессирует по мере того, как художник приобретает больше уверенности благодаря опыту, расширяет свою базу знаний и приобретает больше навыков с материалами.

Художники могут работать в разных стилях. В прошлом от художников обычно ожидалось, что они будут создавать искусство в той моде, которая преобладала в то время. Теперь художники имеют гораздо больше свободы работать по своему усмотрению. Хотя совершенно нормально работать в разных стилях, обычно лучше сосредоточиться на тех, которые вам больше всего нравятся, чтобы полностью раскрыть свой художественный потенциал в этом стиле. Использование разных стилей — отличный способ поэкспериментировать, но чтобы по-настоящему процветать как художник, вам нужно сосредоточиться на одном или двух стилях, которые, по вашему мнению, действительно позволяют вам выразить свое внутреннее видение.

На этом веб-сайте мы рассмотрим четыре основных стиля, в которых я работаю: фотореализм , абстрактный , причудливый и композитный (комбинированные стили). Со временем я добавлю больше информации о других художественных стилях, а пока мы сосредоточимся на четырех стилях, с которыми я наиболее знаком как в теории, так и на практике.

Нажмите на одно из изображений ниже, чтобы узнать больше!

Разница между художественными стилями, школами и движениями

Вы будете бесконечно сталкиваться с терминами «стиль», «школа» и «движение» в искусстве.Но в чем разница между ними? Часто кажется, что каждый писатель или историк имеет свое определение или что эти термины могут использоваться взаимозаменяемо, хотя на самом деле есть тонкие различия в их использовании.

Стиль

Стиль — это довольно обширный термин, который может относиться к нескольким аспектам искусства. Стиль может означать методы, использованные для создания произведения искусства. Пуантилизм, например, — это метод создания картины с использованием маленьких цветных точек и позволяющий смешивать цвета в глазах зрителя.Стиль может относиться к основной философии, лежащей в основе произведения искусства, например, к философии «искусство для людей», стоящей за движением искусств и ремесел. Стиль также может относиться к форме выражения, используемой художником, или к характерному внешнему виду произведений искусства. Метафизическая живопись, например, имеет тенденцию быть классической архитектурой в искаженной перспективе, с несоответствующими объектами, размещенными вокруг пространства изображения, и отсутствием людей.

Школа

Школа — это группа художников, которые следуют одному стилю, имеют общих учителей или преследуют одни и те же цели.Обычно они связаны с одним местом. Например:

В течение шестнадцатого века венецианская школа живописи могла отличаться от других школ в Европе (например, флорентийской школы). Венецианская живопись развилась из школы Падуи (с такими художниками, как Мантенья) и внедрения техник масляной живописи из школы Нидерландов (Ван Эйкс). Работы венецианских художников, таких как семья Беллини, Джорджоне и Тициан, характеризуются живописным подходом (форма определяется вариациями цвета, а не использованием линий) и богатством используемых цветов.Для сравнения, флорентийская школа (в которую входят такие художники, как Фра Анджелико, Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль) характеризовалась сильной озабоченностью линиями и рисованием.

Школы искусств от средневековья до восемнадцатого века обычно называются в честь региона или города, вокруг которого они базируются. Система учеников, с помощью которой новые художники учились ремеслу, обеспечивала продолжение стилей искусства от мастера к ученику.

Наби была сформирована небольшой группой художников-единомышленников, включая Поля Серюзье и Пьера Боннара, которые вместе выставляли свои работы в период с 1891 по 1900 годы (Наби на иврите означает пророк). Очень похоже на Братство прерафаэлитов в Англии. примерно сорок лет назад группа изначально хранила свое существование в секрете. Группа регулярно собиралась, чтобы обсудить свою философию искусства, концентрируясь на нескольких ключевых областях — социальное значение их работы, необходимость синтеза в искусстве, который позволил бы «искусство для людей», значение науки (оптика, цвет, и новые пигменты), а также возможности, созданные с помощью мистики и символизма.После публикации их манифеста, написанного теоретиком Морисом Дени (манифест стал ключевым шагом в развитии движений и школ в начале 20 века) и их первой выставки в 1891 году, к группе присоединились другие художники — в первую очередь Эдуар Вюйар . Последняя их совместная выставка была в 1899 году, после чего школа стала распускаться.

движение

Группа художников, разделяющих общий стиль, тему или идеологию своего искусства.В отличие от школы, этим художникам не обязательно находиться в одном месте или даже общаться друг с другом. Поп-арт, например, — это движение, которое включает в себя работы Дэвида Хокни и Ричарда Гамильтона в Великобритании, а также Роя Лихтенштейна, Энди Уорхола, Класа Ольденбурга и Джима Дайна в США.

Как я могу отличить школу от движения?

Школы, как правило, представляют собой собрания художников, объединившихся, чтобы следовать общему видению. Например, в 1848 году семь художников объединились в Братство прерафаэлитов (художественную школу).

Братство просуществовало как сплоченная группа всего несколько лет, после чего его лидеры Уильям Холман Хант, Джон Эверетт Милле и Данте Габриэль Россетти пошли разными путями. Однако наследие их идеалов повлияло на большое количество художников, таких как Форд Мэдокс Браун и Эдвард Бёрн-Джонс — этих людей часто называют прерафаэлитами (обратите внимание на отсутствие «братства»), художественным движением.

Откуда взялись названия движений и школ?

Название школ и движений может быть получено из разных источников.Двумя наиболее распространенными являются: их выбирают сами художники или искусствовед, описывающий их работы. Например:

Дада — бессмысленное слово по-немецки (но на французском означает «конь-хобби», а на румынском — «да-да»). Он был принят группой молодых художников в Цюрихе, в том числе Жаном Арпом и Марселем Янко, в 1916 году. У каждого из участвовавших художников есть своя история о том, кто на самом деле придумал это имя, но больше всего верят, что Тристан Цара придумал это слово 6 февраля в кафе с Жаном Арпом и его семьей.Дадаизм развивался по всему миру, в таких далеких местах, как Цюрих, Нью-Йорк (Марсель Дюшан и Фрэнсис Пикабиа), Ханова (Кирт Швиттерс) и Берлин (Джон Хартфилд и Джордж Гросс).

Фовизм был придуман французским искусствоведом Луи Воксель, когда он посетил выставку в Осеннем салоне в 1905 году. Увидев относительно классическую скульптуру Альберта Марка, окруженную картинами ярких, дерзких цветов и грубым, спонтанным стилем (созданными Анри Матисс, Андре Дерен и некоторые другие) он воскликнул «Donatello parmi les fauves» («Донателло среди диких зверей»).Название Les Fauves (дикие звери) прижилось.

Vorticism, британское художественное движение, похожее на кубизм и футуризм, возникло в 1912 году благодаря работам Уиндема Льюиса. Льюис и американский поэт Эзра Паунд, живший в то время в Англии, создали периодическое издание: Blast: Review of the Great British Vortex — отсюда и было установлено название движения.

Искусство Направление: Модерн. Стиль во всех дисциплинах

Истоки модерна

В 1884 году термин «модерн» впервые появился в бельгийском художественном журнале «L’Art Moderne» для описания работ Ле Винта, группы из 20 художников, посвященных объединение всех искусств.Под влиянием как движения искусств и ремесел Уильяма Морриса, так и движения эстетики, сторонники Les Vingt боролись с некачественной продукцией массового производства, порожденной промышленной революцией, и тяжелыми, загроможденными конструкциями искусства и архитектуры викторианской эпохи. Вместо этого они поощряли включение эстетического, функционального дизайна в предметы, архитектуру и дизайн повседневной жизни. Как объяснил английский дизайнер и бизнесмен Уильям Моррис, главные цели заключались в том, чтобы «доставить людям удовольствие от вещей, которые они вынуждены использовать по своей воле, то есть одно прекрасное украшение офиса; доставлять людям удовольствие от вещей, которые они вынуждены делать, — вот еще одно его применение.
Тесно связанный с постимпрессионизмом и символизмом, ар-нуво также находился под сильным влиянием склонности к японскому искусству, которое распространилось среди европейских художников в 1880-х и 1890-х годах, в частности к гравюрам на дереве таких художников, как Хокусай. Эти принты содержали множество цветочных форм и изгибов органической формы, которые стали ключевыми элементами стиля модерн.

Модерн в разных дисциплинах

Следуя идеалу Gesamtkunstwerk (буквально «полное произведение искусства»), миссия движения заключалась в достижении синтеза форм искусства, в результате дисциплины.Художники работали в этом стиле в изобразительном искусстве, графике и дизайне, архитектуре, мебели и дизайне интерьеров, стекле и ювелирных изделиях. Извилистые изгибы, высокий стиль, тонко обработанные изделия из стали и стекла, золотые элементы, органические формы и узоры характеризовали этот стиль.

Архитектура в стиле модерн

Извилистые линии стиля модерн проявились в архитектуре как реакция на традиционные ценности разума и ясности структуры. Впервые появившись в Брюсселе, этот стиль вскоре распространился по Европе, но особенно в Париже, где он стал ритмичной альтернативой строгим правилам, наложенным Жоржем-Эженом Османом на здания с двумерными или скульптурными украшениями.

Искусство из стекла в стиле модерн

Искусство из стекла в стиле модерн нашло одно из самых ярких проявлений. Дизайнеры стекла работали в сотрудничестве с известными мастерскими, в конечном итоге разработав передовые методы производства, такие как гравировка на камее, двойные слои и кислотная гравировка, чтобы создать желанные эффекты прозрачности и непрозрачности, а также волнистые формы, вдохновленные естественными формами. В то время как в Европе город Нанси стал одним из важнейших центров стекольной промышленности, мастерские Louis Comfort Tiffany сделали себе имя за рубежом с помощью экспериментальных техник окраски стекла и производства легендарной лампы Tiffany.

Основные художники модерна художника

Густав Климт, Поцелуй, 1907. Предоставлено галереей Бельведер, Вена

Густав Климт

Пожалуй, одним из первых художников, о которых все думают, когда упоминают модерн, является австрийский художник Густав Климт. Как первый президент Austrian Secession group, венской группы в стиле модерн, которая объединила художников, дизайнеров и архитекторов, Климт работал над принципом Gesamtkunstwerk, сочетая красоту и практичность.Эротизм и сексуальность были важными элементами в творчестве Климта, элементами, которые пронизывали Вену в философии, психологии и искусстве примерно в 1900 году. Этот эротизм ярко просвечивает в самой культовой работе Климта, Поцелуй (1907), где двое влюбленных изображены страстно. объятие. Богатый золотой дизайн, уплощенная форма и чувственные изгибы являются образцами стиля модерн того времени.

Обри Бердсли, Кульминация, 1893. Предоставлено Музеем Виктории и Альберта

Обри Бердсли

Обри Бердсли был талантливым молодым английским художником, который никогда не получил формального образования.Благодаря смелому изображению провокационных эротических тем он стал одной из самых неоднозначных фигур движения модерн. Несмотря на его безвременную смерть в возрасте 25 лет, он создал множество важных произведений искусства, в том числе иллюстрации тушью для картины Оскара Уайльда «Саломе ». Кульминация (1893 г.) изображает Саломею, целующую отрубленную голову Иоанна Крестителя, и наполнена эротической символикой.

Альфонс Муха, Жисмонда, 1894. Предоставлено Музеем Мухи

Альфонс Муха

Чешский художник Альфонс Муха был прежде всего известен своими коммерческими плакатами и рекламой.Он был заинтересован в изображении «новой женщины», воспевающем женственность, сексуальность и наделенных полномочиями женщин современной эпохи. Его плакат Gismonda (1894), сделанный по одноименной пьесе Викториана Сарду, стал эмблемой стиля модерн и вдохновил многих художников после него. Он также известен своими изображениями разных сезонов в образе женщин.

Ян Тороп, Delftsche Slaolie, 1893. Courtesy Rijksmuseum

Ян Тороп

Ян Тороп был голландско-индонезийским художником, работавшим в стилях символизма, пуантилизма и модерна.Его стилизованные фигуры и криволинейный дизайн символизируют художественное движение. В своем рекламном плакате для салата из Делфта «Delftsche Slaolie» он без особых усилий объединил развивающийся коммерческий мир рекламы потребительских товаров с изобразительным искусством, изобразив двух красивых, чувственных женщин в плавных изгибах и линиях, поливающих салат маслом. Этот влиятельный плакат является причиной того, что стиль голландского модерна часто называют «slaoliestijl», что означает «стиль салатного масла».

Анри де Тулуз-Лотрек, Джейн Аврил.Courtesy Met Museum

Анри де Тулуз-Лотрек

Анри де Тулуз-Лотрек можно отнести к стилям постимпрессионизма и модерна. Он был особенно известен своими литографиями, изображающими сцены богемной жизни в Париже. Он даже сделал серию плакатов для кабаре «Мулен Руж», которое он часто бывал.

Настольная лампа Tiffany Pond Lily, ок. 1903. Предоставлено Tiffany Lamps and Christies

Louis Comfort Tiffany

Louis Comfort Tiffany стало именем, наиболее ассоциирующимся с ар-нуво в Соединенных Штатах.Он был наследником Серебряной Империи Tiffany & Co., основанной его отцом в 1837 году. Тиффани начинал как художник, но стал наиболее известен своими декоративными работами, в частности изготовлением свинцового стекла. Tiffany произвела витражи с тонко окрашенными деталями, создав революционный декоративный стиль, который до сих пор является синонимом названия компании, и придумал универсальный термин «лампа Тиффани», который используется даже для похожих на внешний вид продуктов, созданных конкурирующими дизайнерами той же эпохи. .

Антонио Гауди, Casa Battlo i Casanovas. Courtesy Casa Battlo i Casanovas

Антонио Гауди

Антони Гауди — один из самых известных архитекторов, связанных с модернизмом, каталонским вариантом архитектуры ар-нуво. Каталонский архитектор, наиболее известный благодаря собору Саграда Фамилия и Парку Гуэля в Барселоне, работал с обильными изгибами, яркими плавными формами и яркими цветами в своих зданиях.

Виктор Орта, Лестница в отеле Tassel, Брюссель. Courtesy Hotel Tassel

Victor Horta

Бельгиец Виктор Орта был одним из основоположников движения в стиле модерн и одним из людей, ответственных за расширение движения из визуального и декоративного искусства в область архитектуры.Он известен своим дизайном отеля Tassel (1894 г.) в Брюсселе, который считается первым зданием в стиле модерн.

Вход в парижское метро по проекту Гектора Гимара.

Наследие модерна

Примерно в период Первой мировой войны модерн подвергался критике за чрезмерно продуманную и роскошную отделку. Более того, интенсивное мастерство сделало его практически недоступным для массовой аудитории. Хотя это движение не пережило Первую мировую войну, оно продолжало жить в различных движениях, появившихся позже, таких как ар-деко, модернизм и даже некоторые элементы Баухауса.Ар-нуво был определяющим визуальным языком короткого периода времени, и остатки этого прекрасного стиля все еще можно увидеть во многих городах по всему миру, например, в Париже, где входы в станции метро, ​​спроектированные Гектором Гимаром между 1890 и 1930 годы остаются в первоначальном стиле.

Поп-арт Движение: художники и произведения искусства

Энди Уорхол, Банки с супом Кэмпбелла, 1962. С любезного разрешения MoMA

«Поп-художники создавали изображения, которые любой, идущий по Бродвею, мог распознать за доли секунды — комиксы, столы для пикника, мужские брюки, знаменитости. , занавески для душа, холодильники, бутылки из-под колы — все те великие современные вещи, которые абстрактные экспрессионисты так старались не замечать вообще.”

Энди Уорхол

Определение поп-арта: что такое поп-арт?

Первое определение поп-арта было дано британским куратором Лоуренсом Аллоуэем, который в 1955 году изобрел термин «поп-арт» для описания новой формы искусства, характеризующейся образами потребительства, новых медиа и массового воспроизведения; Одним словом: популярная культура. Благодаря смелым, простым, повседневным изображениям и ярким цветам, поп-арт был одним из первых художественных движений, сокративших разрыв между коммерческим и изобразительным искусством.

Художники поп-арта черпали вдохновение из рекламы, журналов, рекламных щитов, фильмов, телевидения, комиксов и витрин для своих юмористических, остроумных и ироничных работ, которые можно рассматривать как праздник и как критику поп-культуры. Но как появился поп-арт, кто был ключевыми игроками и каковы их художественные цели?

Ключевые даты: 1955-1965
Ключевые регионы: Великобритания и США
Ключевые слова: Популярная культура, СМИ, консьюмеризм
Ключевые художники: Энди Уорхол, Рой Лохтенштейн, Роберт Раушенберг, Клас Ольденбург, Ричард Гамильтон, Дэвид Хокни

Дэвид Хокни, Мы всегда видим памятью.

Истоки поп-арта

Поп-арт, который обычно ассоциируется с Соединенными Штатами, рано нашел свое признание в Великобритании как критическое и ироничное отражение послевоенной потребительской культуры конца 1950-х годов.
Фактически, в 1952 году в Великобритании группа художников, писателей и критиков, которая впоследствии стала известна как «Независимая группа» — или просто «IG» — начала регулярно встречаться, движимая общим восприятием разрыва между искусство и жизнь того времени, чтобы обсудить новые теории и методы включения в художественную практику тех аспектов визуальной культуры, которые традиционно не были ее частью, но которые неизбежно стали элементами повседневной жизни, от упаковки продуктов до знаменитостей кино.

Коллективная выставка группы This Is Tomorrow, , проходившая в лондонской галерее Уайтчепел в 1956 году, стала ключевой отправной точкой для поп-арта, представив беспрецедентный пример интеграции искусства и современной жизни.

За границей, в те же годы поп-арт возник как реакция на доминирующее художественное движение, абстрактный экспрессионизм. Развивая идею о том, что искусство — это индивидуальное выражение гения художника, поп-арт позволил художникам заново ввести фрагменты реальности в искусство с помощью изображений и сочетаний повседневных предметов.
Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг были одними из первых художников в Америке, которые уловили силу обычного и положили начало движению. Первые исследовали границы между искусством и повседневным миром, буквально включив обычные предметы в окрашенные холсты; последний представляет то, что он определил как «вещи, которые уже знает разум», набор повторяющихся концепций и популярных образов.

Ключевые идеи, лежащие в основе поп-арта

Английский поп-художник Ричард Гамильтон в 1957 году перечислил характеристики поп-арта: «Поп-арт — это популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), временный (краткосрочное решение), Расходный (легко забываемый), Низкая стоимость, Массовое производство, Молодой (нацеленный на молодежь), Остроумный, Сексуальный, Бесподобный, Гламурный, Большой бизнес.
Поп-арт, созданный из эстетики банальной его подписи, отражает времена массового производства и быстрых банальных развлечений, а также исследует превращение славы в товар. Предметы повседневного обихода, такие как консервные банки Кэмпбелла и знаменитости поп-культуры, такие как Мэрилин Монро, были превращены в искусство и стали иконами движения.

Элементы множественности и воспроизводства — типичные для культуры массового производства — также отражены в художественных средствах и процессах: в то время как акриловые краски позволяли художникам создавать яркие плоские поверхности, техника трафаретной печати создавала смелые цветные изображения в виде повторяющихся узоров, подрывающих идея живописи как средства оригинальности.

Энди Уорхол и его коробки с брилло. Предоставлено HBO

British Pop Art v.s. Американский поп-арт

Хотя британский поп-арт в значительной степени вдохновлен американской поп-культурой, это было довольно игривое и ироничное исследование того, что представляют собой популярные американские образы и как они влияют на жизнь и образ жизни людей.
Для американских художников, с другой стороны, поп-арт означал возвращение к репрезентации: теперь царили резкие грани, четкие формы и узнаваемый сюжет, контрастируя со свободной абстракцией и символизмом абстрактных экспрессионистов.
Находясь под сильным влиянием коммерческой художественной практики, эти художники черпали вдохновение из того, что они видели и пережили напрямую. Неудивительно, что многие начинали свою карьеру в коммерческом искусстве. Энди Уорхол был иллюстратором журналов и графическим дизайнером, Эд Руша был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начинал как художник-билборд. Их опыт дал им отличный визуальный словарь массовой культуры, а также технические навыки, позволяющие легко переходить между высоким искусством и популярной культурой и объединять эти два мира.

Известные художники поп-арта

Среди ведущих британских художников поп-арта были сэр Питер Блейк (род. 1932), Патрик Колфилд (1936-2006), Ричард Гамильтон (род. 1922), Дэвид Хокни (род. 1937) и Аллен Джонс. (р. 1937).

Среди известных представителей поп-арта в американском искусстве были Роберт Раушенберг (1925–2008), Джаспер Джонс (род. 1930), Рой Лихтенштейн (1923–97) и Энди Уорхол (1928–87). Среди других американских представителей были Джим Дайн (род. 1935), Роберт Индиана (он же Джон Кларк) (р. 1928), Рэй Джонсон (1927-95), Алекс Кац (р.1927), Клас Ольденбург (р. 1929), Эд Руша (р. 1937), Джеймс Розенквист (р. 1933-2017) и Том Вессельманн (р. 1931).

Знаковые произведения поп-арта

Ричард Гамильтон, Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными? , 1956

Ричард Гамильтон, «Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?», 1956. Предоставлено Phaidon

Коллаж Ричарда Гамильтона представляет пространство гостиной, наполненное объектами и идеями, которые, по словам Гамильтона, теснились в послевоенное сознание.Внимание зрителя привлекает фигура культуриста, держащего гигантский леденец с нацарапанным на нем словом «ПОП». Неудивительно, что этот коллаж часто называют первым образцом поп-арта.

Энди Уорхол, Мэрилин Диптих , 1962

Энди Уорхол, Мэрилин Диптих, 1962. Предоставлено Тейт

Увлечение Уорхола популярной культурой и славой привело его к созданию большого количества экранных снимков с портретами знаменитостей, экспериментируя с ними. вариации цветов и умножение.
Его Мэрилин Диптих содержит 50 изображений Мэрилин Монро, половина из которых окрашены в цвет, а другая половина — в черно-белые. Работа была завершена через несколько недель после смерти актрисы.

Рой Лихтенштейн, Whaam! , 1963

Рой Лихтенштейн, Whaam !, 1963. Предоставлено Tate

Whaam! Роя Лихтенштейна! — это большая картина на двух холстах, напоминающая полосу комиксов о взрыве ракеты в небе. Лихтенштейн был заинтересован в изображении крайне напряженных ситуаций в этой особенно отстраненной, расчетливой манере.

Кейт Харинг, Сияющий младенец , 1982

Кейт Харинг, Сияющий младенец, 1990. С любезного разрешения Тейт

В 1980-х годах в Нью-Йорке Кейт Харинг превратил метро в свою студию. Мелом он выгравировал на стенах свои авторские рисунки. Одним из них был его Radiant Baby , который для него был одним из самых чистых и положительных человеческих опытов. На протяжении многих лет он стал повторяющейся визуальной идиомой Харинга и теперь считается визитной карточкой художника.

Роберт Индиана, ЛЮБОВЬ , 1967

Роберт Индиана, Любовь, 1967. Предоставлено MoMA

Роберт Кларк родился в Индиане, Роберт Индиана получил имя своего родного штата, когда переехал в Нью-Йорк в 1954 году. вдохновенное восхищение силой обычных слов никогда не было более явным, чем в его работах LOVE . LOVE Индианы — одно из самых известных образов поп-арта. Первоначально он был задуман как рождественская открытка для Музея современного искусства в 1965 году.С тех пор LOVE превратился в гравюры, картины, скульптуры, знамена, кольца, гобелены и марки.

Прием критиков против публики

В то время как многие академики и критики были потрясены тем, как поп-артисты используют приземленные темы и их очевидно неизбирательное использование этого, более образные и приземленные образы поп-арта обратился к широкой публике и вскоре стал одним из самых популярных стилей искусства, а также одним из первых проявлений постмодернизма.

Коллекционирование поп-арта

Поп-арт смог проникнуть в широкую публику так, как это сделали — или сделали с тех пор немногие направления современного искусства, — и коллекционерам это тоже нравится. Например, картина Джаспера Джонса «Фальстарт» (1959) была продана в 2006 году за 80 миллионов долларов: это 9-е место в списке самых дорогих произведений искусства в истории того времени. Работа Энди Уорхола «Зеленая автомобильная авария» (1963) (синтетический полимер, шелкография, акрил на полотне) была продана на Christie’s, Нью-Йорк, в 2007 году за 71 доллар.7 миллионов, что делает его 14-м произведением искусства по самой высокой цене, когда-либо проданным в то время. Неплохо для произведения неброского искусства.

Клас Ольденбург, Спунбридж и Вишня, TK. Фото m01229, через Flickr.

Соответствующие источники, чтобы узнать больше

Узнайте больше о художественных движениях и стилях на протяжении всей истории здесь

Концептуальное искусство: развитие и эволюция

Истоки концептуального искусства

Хотя концептуальное искусство было впервые определено в 1960-х годах, его происхождение прослеживается в 1917 году, когда Марсель Дюшан купил писсуар в магазине сантехника и представил его как скульптуру на открытой выставке скульптур в Нью-Йорке, за которую он был в отборочной комиссии.Жюри отклонило работу, посчитав ее аморальной и отказавшись принять ее как искусство. Вопрос Дюшана о границах искусства и его критика художественного истеблишмента проложили путь концептуальному искусству.

Марсель Дюшан, Фонтан, 1917. Фотография Альфреда Штиглица

Fluxus

В начале 1960-х годов термин «концепт-арт» уже использовался членами движения Fluxus, такими как Генри Флинт. Fluxus — это группа, в которую входили художники из Азии, Европы и США.Движение было направлено на создание открытого отношения к искусству, далекого от исключительности модернизма. Художники Fluxus были заинтересованы в расширении диапазона референций эстетики ко всему, от объекта до звука или действия. Среди известных художников Fluxus — Йоко Оно, которая активно участвовала в различных мероприятиях Fluxus как в Нью-Йорке, так и в ее родной Японии, и Джозеф Бойс в Германии. Хотя не всегда , а именно считается частью движения концептуального искусства, Fluxus, без сомнения, является одним из его факторов.Это была важная тенденция на той же волне, что и концептуализм, и его художники часто считаются концептуалистами.

черных картин Фрэнка Стеллы

В конце 1950-х — начале 1960-х годов Фрэнк Стелла создал серию черных картин , которая обозначила решающий момент разрыва между практиками модернизма и контрмодернизма. Эта серия работ приведет к появлению минимализма и концептуального искусства. Суть этих работ заключалась в том, чтобы буквально подчеркнуть и повторить форму холста, перенеся работу со стены в трехмерное пространство.Это была атака на модернизм, которая породила нечто совершенно антиформное. Произведение искусства превратилось в действия и идеи, и с этого момента казалось, что шлюзы открылись, и художники переместились на совершенно новую территорию. Модернизм действительно подошел к концу.

Сола Левитта «Параграфы концептуального искусства»

Статья Сола Левитта «Параграфы концептуального искусства» 1967 года в Artforum была одной из самых важных работ по концептуализму.В статье концептуальное искусство представлено как новое авангардное движение. Фактически, термин «концептуальное искусство» появился в этой статье впервые. Начало статьи Левитта стало общим заявлением о концептуальном подходе: «В концептуальном искусстве идея или концепция являются наиболее важным аспектом работы. Когда художник использует концептуальную форму в искусстве, это означает, что все планирование и решения принимаются заранее, а исполнение — дело формальное. Идея становится машиной, создающей искусство.’

F amous Художники концептуального искусства

Джозеф Кошут

Концептуальное искусство как четкое движение появилось в конце 1960-х годов. В 1967 году Джозеф Кошут организовал в Нью-Йорке выставки Nonanthropomorphic Art и Normal Art , на которых были представлены работы самого Кошута и Кристины Козлов. В своих записях, сопровождающих выставку, Кошут написал: «Настоящие произведения искусства — это идеи». В том же году он выставил свою серию под названием (Искусство как идея как идея). Эта серия работ состояла не из визуальных образов, а из слов, которые были в центре дебатов о статусе современного искусства — «значение», «объект», «репрезентация» и «теория» и другие.

Джозеф Кошут, Четыре цвета, четыре слова (синий, красный, желтый, зеленый), 1966. Фото любезно предоставлено Widewalls

Art & Language Group

Тем временем в Англии Art & Language Group исследовала последствия предложения большего и более сложные объекты как произведения искусства (примеры включают столб воздуха, Оксфордшир и французскую армию).Первое поколение Art & Language Group было сформировано Терри Аткинсоном, Майклом Болдуином, Дэвидом Бейнбриджем и Гарольдом Харреллом в 1966-67 годах. Позже группа также расширилась до США. В 1972 году они выпустили Art & Language Index 01 для Documenta V. Это была инсталляция, состоящая из группы из восьми картотек, содержащих 87 текстов из журнала Art-Language .

Шесть лет Люси Липпард

Книга Люси Липпард Шесть лет , охватывающая первые годы движения концептуального искусства (1966-1972), вышла в 1973 году.Учитывая запутанный и сложный характер концептуального искусства, американский художник Мел Бохнер осудил ее рассказ как запутанный и произвольный. Спустя годы Липпард будет утверждать, что большинство описаний концептуализма ошибочны и что нельзя доверять воспоминаниям о реальных событиях, связанных с развитием концептуального искусства, — даже самим художникам.

Концептуализм в Европе

Как указывалось ранее, концептуализм был важен не только в США и Англии, но также широко изучался и развивался в других частях мира, где работа часто была гораздо более политизированной.Во Франции примерно во время студенческих восстаний 1968 года Даниэль Бурен создавал искусство, которое должно было бросить вызов и критиковать институт. Его цель заключалась не в привлечении внимания к самим картинам, а к ожиданиям, создаваемым контекстом искусства, в котором они были помещены. В Италии Arte Povera возникло в 1967 году, сфокусировавшись на создании искусства без ограничений традиционных практик и материалов.

Концептуализм в

Латинской Америке

В Латинской Америке художники предпочитали в своей работе более прямой политический отклик, чем концептуалисты в Северной Америке и Западной Европе.Бразильский художник Сильдо Мейрелеш повторно представил реди-мейд с его серией Insertions into Ideological Circuits (1969). Он вмешивался в объекты из систем обращения, такие как банкноты и бутылки из-под кока-колы, наклеивая на них политические сообщения и таким образом возвращая их в систему.

Концептуализм в

Советском Союзе

В Советском Союзе искусствовед Борис Гройс назвал группу российских художников, работавших в 1970-х годах, «московскими концептуалистами».Они смешали советский социалистический реализм с американской поп-музыкой и западным концептуализмом.

Современное концептуальное искусство и концептуализм

Концептуализм в современной практике часто называют современным концептуализмом. Современные концептуальные произведения часто используют междисциплинарные подходы и участие аудитории, а также критикуют институты, политические системы и структуры, а также иерархии. Художники, которые явно используют различные техники и стратегии, связанные с концептуальным искусством, включают Дженни Хольцер и ее использование языка, Шерри Левин и ее фотографическую критику оригинальности, Синди Шерман и ее игру с идентичностью, а также использование текста и фотографии Барбары Крюгер.

Деталь инсталляции Барбары Крюгер в Мельбурне

Когда мы исследовали сложную и обширную историю концептуального искусства и его присутствие, на ум приходят несколько вещей. Одна из его самых сильных сторон заключалась в том, чтобы по-настоящему исследовать природу искусства и институтов. Иногда это было искусство сопротивления господствующему порядку. В других случаях это было циничное зеркало мира искусства или глубоко философское начинание. Многие художники презирали, когда их помещали в коробку с концептуальным искусством, как они презирали, когда их помещали в любую коробку.Тем не менее, мы попытались провести определенные границы между различными художниками, событиями и системами мышления, которые какое-то время вращались по схожей орбите и которые можно лучше понять под эгидой концептуализма.

Концептуальное искусство FAQ

Что означает концептуальное в искусстве?

Когда художник использует концептуальную форму искусства, это означает, что все планирование и аранжировки делаются заранее, а выполнение — более поверхностный процесс.В концептуальном искусстве процесс, стоящий за работой, более важен, чем готовое произведение искусства.

Каковы характеристики концептуального искусства?

Концептуальное искусство в основном сосредоточено на «идеях и целях», а не на «произведениях искусства» (картины, скульптуры и другие ценные предметы). Для него характерно использование различных носителей и опор, а также различных временных повседневных материалов и «готовых предметов».

Кто отец концептуального искусства?

Марсель Дюшан известен как основоположник концептуального искусства.Он наиболее известен своими готовыми работами, такими как Fountain , знаменитый писсуар, который он назвал искусством в 1917 году и который считается первым концептуальным произведением искусства в истории искусства.

Соответствующие источника, чтобы узнать больше

Узнайте больше о художественных движениях и стилях на протяжении всей истории здесь
Пьеро Манцони и его Merda d’Artista: Может ли дерьмо быть искусством и кто решает?
Узнайте больше о концептуализме до, во время и после концептуального искусства Терри Смита
Узнайте больше о термине «искусство» на сайте Tate Publishing

Что такое дадаизм, дада-искусство или дадаизм?

Статьи и особенности

Марсель Дюшан, Фонтан, 1917 г.

Направление искусства: дадаизм

Во время Первой мировой войны бесчисленное количество художников, писателей и интеллектуалов, выступавших против войны, искали убежища в Швейцарии. Цюрих, в частности, был центром для людей в изгнании, и именно здесь Хьюго Болл и Эмми Хеммингс открыли 5 февраля 1916 года Кабаре Вольтер. Кабаре было местом встречи для наиболее радикальных художников-авангардистов. Это нечто среднее между ночным клубом и центром искусств, художники могли выставлять здесь свои работы среди ультрасовременной поэзии, музыки и танцев.Ганс (Жан) Арп, Тристан Цара, Марсель Янко и Ричард Хюльзенбек были среди первых авторов Кабаре Вольтер. По мере того, как бушевала война, их искусство и выступления становились все более экспериментальными, диссидентскими и анархичными. Вместе они протестовали против бессмысленности и ужасов войны под боевым кличем DADA.

Знаете кого-нибудь, кому эта статья будет интересна?

Что такое дадаизм, дадаизм или дадаизм?

Словом, нонсенс.Однако как движение искусство дада оказалось одним из революционных движений начала двадцатого века. Первоначально задуманный группой авангардных модернистов в преддверии Первой мировой войны, но более полно принятый после нее, дадаизм воспевал удачу вместо логики и иррациональности вместо расчетливого намерения.

Ключевые даты: 1916-1924
Ключевые регионы: Швейцария, Париж, Нью-Йорк
Ключевые слова: Случайность, удача, ерунда, анти-искусство, readymade
Ключевые художники: Хьюго Болл, Марсель Дюшан, Ханс (Жан) Арп, Ханна Хёх, Ман Рэй, Франсуа Пикабиа
Ключевые характеристики: Юмористический, склонный к абсурду, сатирический подход к власти

Происхождение дадаизма

Центральная предпосылка движения искусства Дада (Дада — это разговорный французский термин для лошади-любителя) был ответом на современную эпоху.Реагируя на рост капиталистической культуры, войну и сопутствующую деградацию искусства, художники в начале 1910-х годов начали исследовать новое искусство или «антиискусство», как описал Марсель Дюшан. Они хотели обдумать определение искусства, и для этого они экспериментировали с законами случая и с найденным объектом. Это была форма искусства, основанная на юморе и умных поворотах, но в самом ее основании дадаисты задавали очень серьезный вопрос о роли искусства в современную эпоху.Этот вопрос стал еще более актуальным по мере распространения искусства Дада — к 1915 году его идеалы были приняты художниками в Нью-Йорке, Париже и за его пределами — и когда мир погрузился в зверства Первой мировой войны

Жан Арп, Созвездие с пятью белыми формами и двумя черными, вариация III, 1932 год, любезно предоставлено Гуггенхаймом

Пришествие готовых форм

Одной из самых знаковых форм, появившихся среди этого расцвета дадаистского выражения, была готовая скульптурная форма, усовершенствованная Марселем. Дюшан.Это были работы, в которых Дюшан перепрофилировал найденные или фабричные объекты в инсталляции. В «Advance a Broken Arm» (1964), например, описывалось подвешивание лопаты для снега к опоре на галерее; Fountain (1917), возможно, самый узнаваемый из готовых изделий Дюшана, включал в себя керамический писсуар массового производства. Вынимая эти предметы из предполагаемого функционального пространства и возводя их на уровень «искусства», Дюшан подшучивал над художественным истеблишментом, а также просил зрителя серьезно задуматься о том, как мы ценим искусство.

Различные способы дадаизма

Как показывают реди-мейды Дюшана, дадаисты и движение Дада не уклонялись от экспериментов с новыми медиа. Жан Арп, например, исследовал искусство коллажа и потенциал случайности при его создании. Ман Рэй также играл с искусством фотографии и аэрографии как с практиками, которые отделяли руку художника и, таким образом, предполагали сотрудничество с шансом. Помимо этих художественных средств массовой информации, дадаисты также исследовали литературное и исполнительское искусство.Хьюго Болл, например, человек, написавший объединяющий манифест Дадаизма 1916 года, исследовал освобождение письменного слова. Освобождая текст от обычных ограничений публикуемой страницы, Болл играл силой бессмысленных слогов, представленных как новая форма поэзии. Эти дадаистские стихи часто превращались в перформансы, что позволяло этой сети художников легко перемещаться между медиа.

Hugo Ball, Cabaret Voltaire, 1916

Примеры

известных произведений дадаизма

Движение принесло много известных произведений искусства.Вот несколько избранных примеров произведений дадаизма:

1. Фонтан Марселя Дюшана (1917)
2. Велосипедное колесо Марселя Дюшана (1913)
3. Скрипка Энгра Мана Рэя (1924)
4. Звуковая поэма Хьюго Болла Караван (1916)

Механическая голова Хаусмана (Дух нашего времени) (1920)

1. Фонтан Марселя Дюшана (1917)

В 1917 году Марсель Дюшан представил писсуар в Общество независимых художников.Общество отклонило Фонтан , потому что считало, что это не может считаться произведением искусства. Фонтан Дюшана поднял бесчисленное множество важных вопросов о том, что делает искусство искусством и считается важной вехой в искусстве 20-го века.

Марсель Дюшан, Фонтан, 1917 г.

2. Велосипедное колесо Марселя Дюшана (1913 г.)

«В 1913 году у меня возникла счастливая идея прикрепить велосипедное колесо к кухонному табурету и посмотреть, как оно вращается», — сказал Марсель Дюшан. о своей знаменитой работе Велосипедное колесо . Велосипедное колесо — первый из готовых объектов Дюшана. Readymades были отдельными объектами, которые Дюшан перепозиционировал или подписывал и называл искусством. Он назвал Bicycle Wheel «ассистируемым реди-мейдом», созданным путем объединения более чем одного утилитарного предмета в произведение искусства.

Марсель Дюшан, Велосипедное колесо, 1913 г.

3. Скрипка Энгра Ман Рэя (1924 г.)

Рисуя f -отверстия струнного инструмента на фотопринте его обнаженной модели Кики де Монпарнас и перефотографировав отпечаток , Ман Рэй изменил то, что изначально было классическим обнаженным телом.Женское тело теперь превратилось в музыкальный инструмент. Он также добавил название Le Violon d’Ingres , что на французском языке означает «хобби».

Ман Рэй, Скрипка Энгра, 1924

4. Звуковая поэма Хьюго Болла Karawane (1916)

Основатель Cabaret Voltaire и автор первого дадаистского манифеста в 1916 году, большая часть работ Болла была в жанре звука поэзия. В 1916 году, в том же году, когда был опубликован первый дадаистский манифест, Болл исполнил звуковое стихотворение Karawane .Начальные строки были:

«jolifanto bambla o falli bambla
großiga m’pfa habla horem»

Остальная часть стихотворения во многом повторяет те же строки. Хотя стихотворение можно было спутать со случайным безумным бредом, саунд-поэзия действительно была глубоко изученным методом в экспериментальной литературе. Идея заключалась в том, чтобы вывести на передний план звуки человеческой вокализации, убрав все остальное.

Хьюго Болл, Караване, 1916

5. Механическая голова Рауля Хаусмана (Дух нашего времени) (1920)

Рауль Хаусманн был поэтом, коллажистом и художником-перформансом, наиболее известным своей скульптурой под названием Механическая голова (Дух нашего времени) .Голова манекена, сделанная из цельного деревянного бруска, является противоположностью утверждения Гегеля о том, что «все есть разум». По мнению Хаусмана, человек пустоголовый, «у него не больше возможностей, чем те, которые случайность приклеила к внешней стороне его черепа». Поднимая эти темы, Хаусманн хотел создать образ, который разрушит господствующие западные представления о голове как о вместилище разума.

Рауль Хаусманн, «Механическая голова» (Дух нашего времени), 1920

Принятие, падение и распространение дадаистских идеалов

Смелые новые подходы дадаистов вызвали споры в современной культуре.Их быстрый разрыв с традициями, их страстное стремление к новому способу самовыражения и их готовность вернуть почитаемый мир «изящного искусства» на более уровень и равноправное игровое поле с помощью юмора и пытливого исследования позволили художникам Дада привлечь и тех, и других. фанаты и враги их творчества. Некоторые видели в дадаистском самовыражении следующий шаг вперед в авангардном марше; другие упускали из виду значение и вместо этого видели в произведениях, таких как реди-мейды Дюшана, не искусство, а просто составляющие их объекты (что привело к тому, что некоторые оригиналы были отправлены на свалку).

Дадаизм охватил публику в 1920-е годы, но движению в целом было суждено рухнуть. Некоторые, как Ман Рэй, обнаружили, что их склонности переходят в подсознательную сферу сюрреализма; другие сочли давление на современного европейского художника слишком тяжелым, чтобы его выдержать. Приход к власти Адольфа Гитлера в 1930-х годах нанес мощный удар по миру современного искусства, поскольку маниакальный деспот стремился искоренить корни современного искусства, область, которую он считал «дегенеративной». В результате художники Дада стали свидетелями того, как их работы высмеивают или уничтожают, и, таким образом, предпочли сбежать из душного воздуха Европы в более свободный художественный климат Соединенных Штатов и за их пределами.

Хотя многие из этих первоначальных членов разошлись, идеалы дадаизма остались живы и процветают среди современных художников. Во многих отношениях можно увидеть возрождение нити дадаизма, например, в эпоху поп-арта, когда перепрофилированные мотивы и культурные комментарии, появляющиеся из студий таких художников, как Энди Уорхол, перекликались с намеком на дадаистские интриги. Это было во второй половине двадцатого века, когда в полной мере проявился момент дадаизма. В дополнение к двум крупным международным ретроспективам, анализирующим творчество дадаистов (одна в 1967 году в Париже, а другая в 2006 году на различных международных площадках), было уделено больше внимания пониманию и сохранению их наследия.

Ханна Хёх, Да-Денди, 1919

Коллекционирование дадаистских произведений

Дадаистские работы, хотя и обладают универсальной привлекательностью, могут оказаться сложной задачей для коллекционирования. Помимо вопросов аутентичности, трудно наметить или спрогнозировать цены, которых могут достичь такие работы, — проблема связана с огромным разнообразием средств массовой информации. При этом можно отметить постоянство, с которым работы дадаистов на аукционах превзошли ожидания. Знаменитая продажа картины Марселя Дюшана Nu sur nu (1910-1911) более чем за 1 доллар.4 миллиона долларов в июне 2016 года увеличили предполагаемую цену продажи в два раза с 555 000 до 775 000 долларов. Модель Ventilateur (1928) Франсуа Пикабиа была продана на Sotheby’s в феврале 2016 года за более чем 3,1 миллиона долларов, что соответствует верхней границе прогнозируемого диапазона продаж. Эта тенденция, кажется, предполагает, что интерес к художественному выражению дадаизма и движению дада все еще жив и здоров, и коллекционеры осведомлены о выгодных сделках, которые могут появиться на аукционах.

FAQ

Что такое дадаизм?

Дадаизм — это художественное направление начала 20 века, предшествовавшее сюрреализму и уходящее корнями в ряд крупных европейских столиц искусства.Развившееся в ответ на ужасы Первой мировой войны, движение дадаистов отвергало разум, рациональность и порядок зарождающегося капиталистического общества, вместо этого отдавая предпочтение хаосу, бессмыслице и антибуржуазным настроениям.

Кто основные художники-дадаисты?

Самыми известными художниками Дада являются Марсель Дюшан, Фрэнсис Пикабиа и Ман Рэй в Париже, Джордж Гросс, Отто Дикс, Джон Хартфилд, Ханна Хёх, Макс Эрнст и Курт Швиттерс в Германии, а также Тристан Цара, Ричард Хюльзенбек, Марсель Янко. и Жан Арп в Цюрихе.

Откуда зародился дадаизм?

Есть некоторые разногласия относительно того, где был основан Дадаизм. Многие считают, что движение впервые появилось в Cabaret Voltaire, авангардном ночном клубе в Цюрихе, другие утверждают, что оно имеет румынское происхождение. Ясно то, что во время Первой мировой войны, особенно в 1916 году, возникла общеевропейская чувствительность, и что явных приверженцев основных тем можно выделить в Цюрихе, Берлине, Париже, Ганновере, Кельне, Нидерландах и даже в Нью-Йорке. .

Каковы основные характеристики дадаизма?

Дадаизм часто характеризуется юмором и причудой, склонной к абсурду. Такое доброе отношение использовалось в качестве сатирической критики преобладающих социальных и политических систем, которым в значительной степени приписывали натиск Первой мировой войны.

Что означает дадаизм?

Название «Дада» произошло от вздора и иррациональности. На некоторых языках это означало «да, да» как пародия на бессмысленное подчинение населения властям, тогда как на других оно имело совершенно другие значения и коннотации.Имя приписывают Ричарду Хюльзенбеку и Хьюго Боллу, хотя Тристан Цара также заявлял об авторстве — идея заключалась в том, что у него было бы несколько бессмысленных значений.

Как дадаизм — реакция на Первую мировую войну?

Дадаизм был движением с явно политическим подтекстом — реакцией на бессмысленную бойню в окопах Первой мировой войны. По сути, он объявил войну войне, противопоставив абсурдности погружения истеблишмента в хаос своей собственной чепухой.

Заинтересованы в других направлениях и стилях искусства, кроме дадаизма? Прочтите нашу статью о 25 лучших художественных движениях и стилях.

Знаете кого-нибудь, кому эта статья будет интересна?

Может ли художник использовать несколько стилей? (Разъяснено) — Артистизм найден

Как художник с беспорядочным мышлением, мне всегда было трудно придерживаться одного художественного стиля. Однако мое любопытство и желание экспериментировать были полезны на курсах искусства, где мне предлагали расширить свой кругозор.Но может ли художник иметь несколько стилей?

Да, у художника может быть несколько стилей и сред. Известные художники часто известны своим особым и уникальным художественным стилем. Однако несколько гигантов в области искусства доказали, что художники способны овладеть более чем одним художественным стилем.

Количество различных возможных художественных стилей безгранично. Будь то подход и техника рисования художника или материалы, которые он использует, мир искусства полон бесчисленных возможностей для создания чего-то совершенно уникального.Но поможет ли вам как художнику наличие нескольких художественных стилей или помешает?

(Эта статья может содержать партнерские ссылки. Это означает, что если вы нажмете на партнерскую ссылку и сделаете покупку, я получу небольшую комиссию без каких-либо дополнительных затрат для вас)

Что такое арт-стиль и может ли художник У вас больше одного?

Художественный стиль описывает то, как выглядит произведение искусства. Это то, как художник представляет свой предмет и как он выражает свое видение. Стиль определяется визуальными характеристиками конкретного произведения искусства.Цвет, форма, композиция и техника, которые использовались, — все это играет важную роль в определении стиля произведения искусства. Помимо физических свойств произведения искусства, стиль определяется применяемыми методологиями и техниками, а также его философией.

Хотя есть признанные художники, которые балуются разными стилями, наличие нескольких стилей обычно является показателем того, что новый художник все еще учится и развивает свои навыки. Это также характерная черта художника, который не понял, что он хочет передать в своей работе.Кроме того, многие художники начинают черпать вдохновение у других, часто подражая их стилям, пока не разработают свой собственный.

По мере того, как художник растет и прогрессирует, он начинает сужать свой стиль, сосредотачиваясь на том, что ему нравится больше всего. Это позволяет им стать исключительно опытными в выбранных ими средствах массовой информации и легче преподносить предпочтительное сообщение аудитории.

x

Для просмотра этого видео включите JavaScript и рассмотрите возможность обновления до
веб-браузер, который
поддерживает видео HTML5

Что разделяет художественные стили?

Искусство во многом делится по визуальным свойствам.Однако эти свойства можно сгруппировать в: художественные движения, стилистические особенности, техники и среды.

Искусство — это собирательное название произведений искусства, созданных в определенный период времени, которые разделяют художественные идеалы и методы. Нет никаких критериев того, что можно классифицировать как художественное движение, что делает особенности каждого движения в некоторой степени уникальными. Некоторые движения, такие как движение сюрреализма, больше вращаются вокруг общих идеалов и вдохновения для художественных работ, а не на методах и средах, используемых для создания художественных работ.Однако другие движения, такие как поп-арт, больше зависят от конкретных используемых сред.

Стилистические особенности включают; цвет, тон, пространство, обстановка, форма, форма, линия, композиция, свет, настроение, атмосфера и многие другие физические особенности. Существует бесчисленное множество способов включить эти функции и манипулировать ими при создании своего видения. Художественные стили можно разделить на основе их цветовых палитр, фокусов и используемых предметов. Все эти функции могут быть объединены различными способами для передачи совершенно разных сообщений.

Художественные средства относятся к материалам, используемым для создания произведения искусства. Популярные средства массовой информации включают; акриловая краска, графитовая пудра и карандаши, фотография и пластилин. Это четыре широко известных медиума. Субъективная природа искусства — вот что позволяет легко создавать что-то уникальное. Из-за разработок, сделанных в мире искусства, почти все можно назвать «искусством». Это позволяет художнику следовать своим инстинктам, не беспокоясь о пересечении материалистических линий.

Не можете выбрать между рисованием и созданием коллажей? Объедините их. Хотите повторно использовать старые полиэтиленовые пакеты? Растопите их. Когда вы задумаетесь, возможности поистине безграничны.

Однако использование одного конкретного носителя не ограничивает ваши возможности для создания с его помощью. Если один художник может быть известен своим реализмом и использованием света и композиции в акриловых картинах, другой может быть известен своим использованием ярких цветов и абстрактных форм.

Наконец, художественные стили можно разделить по сообщению, которое они пытаются отправить.В конце концов, безмятежные пейзажи и политическое искусство никогда не объединятся под одним зонтом. Некоторые художники предпочитают использовать свое искусство, чтобы выразить свою признательность окружающему миру, в то время как другие используют его для решения мировых проблем и отправки убедительных сообщений. В любом случае, то, для чего вы решите использовать свое искусство, повлияет на общий стиль и эстетику.

Известные художники в разных стилях

Статуя Давида — Микеланджело

Микеланджело — отличный пример того, как художник может быть успешным, сохраняя при этом несколько художественных стилей. Микеланджело был художником, скульптором и архитектором, работавшим в период Возрождения. Он считается одним из величайших художников всех времен.

Широко известен своими картинами в Сикстинской капелле, демонстрирующими передовой физический реализм. Но рисовать не стал. Микеланджело также был талантливым скульптором, создавая такие предметы, как статуя «Давид» высотой 17 футов.

Рассмотрим более современный пример. Дэмиен Херст — художник и скульптор, исследующий экспрессионизм, современное искусство и концептуальное искусство.Одна из его самых известных работ — это сохранение животных, таких как тигровая акула, в резервуарах с формальдегидом. Херст, кажется, идет туда, куда ведет его искусство, не беспокоясь о том, чтобы ограничиться одной стилистической рамкой.

Подавляющее большинство художников на протяжении всей истории интересовались более чем одним художественным стилем. Часто предпочитает сочетание живописи и лепки. Итак, если тысячи сделали это, почему вы не можете?

Картины Микеланджело на потолке Сикстинской капеллы.

Как развить художественный стиль?

Все эти разговоры о множестве художественных стилей приводят к вопросу: как художник развивает художественный стиль?

1. Эксперимент — Лучшее место для начала — это играть с как можно большим количеством различных художественных средств.Это позволяет вам узнать, какие техники вам нравятся и с которыми вы хотите работать.

• Используйте свои сильные стороны — Важно, чтобы вы чувствовали себя комфортно и могли использовать любые инструменты и методы, которые вы выбрали для этого.

• Ищите вдохновение — Будь то художественное движение, художник или сообщение, определение источника вдохновения даст вам основу для развития идей и создания ваших собственных работ.

• Найди свой голос — Вам нужно определить, какое сообщение вы хотите передать через свое искусство.Смыслы и идеи, которые вы хотите передать, могут повлиять на презентацию ваших работ.

• Create — Вы можете сделать очень много, прежде чем сделать решительный шаг и создать свою собственную работу. Помните, что чем больше вы над этим работаете, тем лучше станет ваше искусство.

Разработка собственного стиля звучит просто, если выразить словами, но все мы знаем, что создание искусства сложнее, чем выполнение нескольких шагов. У всех разные пути; Некоторые люди, кажется, легко находят свой стиль, в то время как другие работают над ним годами.На самом деле даже процесс поиска и создания художественного стиля субъективен.

Можете ли вы использовать несколько художественных стилей?

Влияет ли наличие нескольких художественных стилей на объем продаж?

Стиль художника становится их основным продуктом. Сохранение фирменного стиля для вашего искусства гарантирует, что ваша работа будет узнаваемой, а наличие узнаваемого бренда создает прочную основу для продажи вашей работы. Кроме того, ваш стиль делает вас уникальным как художника, а последовательность — вот что делает вашу работу желанной.

Однако работа с несколькими стилями дает много преимуществ.

• Больше работы — Когда люди знают, что вам комфортно работать с разными стилями и методологиями, они, вероятно, обратятся к вам с множеством разных работ.

• Большая аудитория — Создавая разнообразные работы, шансы, что кому-то понравится ваше искусство, значительно выше из-за разницы в эстетике и коннотации.

• Новые рынки — Вы можете создавать произведения искусства, подходящие для различных областей искусства, что позволит вам выйти на новые рынки и воспользоваться множеством возможностей.

• Freedom — Дайте себе свободу экспериментировать и играть с новыми средами, чтобы открыть для вашего бизнеса новые возможности, а также развить ваши навыки художника.

В конце концов, успех художника не определяется количеством стилей, в которых он работает. В то время как некоторым художникам легко управлять множеством разных стилей и сред, другим удобнее придерживаться того стиля, в котором они работают. знаком с. Ваши сильные стороны и способности как художника — это то, что только вы можете распознать и использовать в своих интересах.

Количество стилей художника не зависит от его навыков или качества работы. Некоторые могут выбрать работу только в одном или двух стилях, последовательно создавая работу с установленным посланием и стандартом. Напротив, другие могут выбрать как можно больше экспериментов, исследуя многочисленные доступные им художественные направления.

Хотя у работы в нескольких стилях есть свои плюсы и минусы, решение в конечном итоге остается за художником. Мир искусства впечатлительный, и нет установленных правил или указаний о том, что значит быть художником.

Больше от Artistry Найдено

Источники:

https://www.